Consejos para la grabación y puesta en marcha

Grabar buenas imágenes y conseguir, a partir de las mismas, una película interesante, emocionante o informativa, es algo que cualquier persona con algunos conocimientos básicos puede conseguir.

Realizar un boceto de diálogo o un pequeño plan de filmación es el primer paso para grabar las imágenes de base. En esta etapa ya tienes que pensar en el siguiente paso, el proceso de edición, y asegurarte de que consigues un buen número de tomas sobre las que poder trabajar posteriormente.

La edición de una película supone hacer malabares con los fragmentos de grabación hasta conseguir un conjunto armónico. Esto significa que tendremos que tomar decisiones sobre las técnicas, transiciones y efectos que mejor expresen nuestro objetivo.

An important part of editing is the creation of a soundtrack. The right sound - dialog, music, commentary or effect - can work with the visuals to create a whole greater than the sum of its parts.

Pinnacle Studio dispone de las herramientas necesarias para crear películas con calidad profesional. El resto es cosa tuya, para eso eres el productor del vídeo.

Creación del plan de filmación

No siempre es necesario tener un plan de filmación, aunque puede ser muy útil en largos proyectos de vídeo. El plan puede ser tan sencillo o tan complejo como queramos. Una simple lista de escenas planificadas puede ser suficiente, o puedes incluir también algunas notas sobre indicaciones para la cámara o preparar algún diálogo. Los más ambiciosos pueden llegar a preparar un diálogo completo, describiendo todos los ángulos de la cámara en detalle junto con notas sobre duración, iluminación y propiedades.

Título: "Carrera de karts de Jack"
No.	Ángulo de cámara	Texto / Sonido	Duración	Fecha
1	Cara de Jack con el casco y cámara que se aleja hasta un plano global	"Jack va a participar en su primera carrera...". Sonido de los motores de fondo.	11 seg.	Martes.22/06
2	En la parrilla de salida, perspectiva desde la posición del piloto; posición baja de la cámara.	Se oye la música, junto con el ruido de los motores.	8 seg	Martes 22/06
3	Seguimiento del juez con la bandera de salida hasta la posición de inicio. La cámara permanece inmóvil, el juez sale de la escena después de la salida.	"Allá vamos...". Filmar la salida, añadir la señal de inicio.	12 seg.	Martes 22/06
4	Toma frontal de Jack en su posición, la cámara lo sigue y muestra a Jack hasta que toma la curva desde detrás.	La música de fondo ya no se oye, transición a otra música del CD que irá tapando el ruido de los motores.	9 seg.	Martes 22/06
5	...

Boceto de un plan de filmación sencillo

Edición

Utilización de varias perspectivas

Cualquier evento importante siempre debe filmarse desde distintas perspectivas y posiciones de cámara. Más tarde, durante la edición, podrás utilizar los mejores ángulos de cámara en exclusiva o bien combinados. No olvides grabar los eventos desde más de un ángulo de cámara (principalmente el payaso en la pista, pero también la risa de los espectadores desde el punto de vista del payaso). Las acciones interesantes también pueden tener lugar detrás de los protagonistas o podemos grabar a los protagonistas desde un ángulo inverso. Esto puede servirnos posteriormente para intentar establecer un sentido del equilibrio en la película.

Acercamientos

No seas tacaño a la hora de acercarte a las cosas o personas importantes. Normalmente los acercamientos tienen mejor aspecto que las tomas generales en una pantalla de televisión, además de ser más aptos para los efectos de postproducción.

Tomas generales / Tomas medias

Las tomas generales proporcionan al espectador una vista general y establecen el escenario de la acción. No obstante, estas tomas también se pueden utilizar para acortar escenas más largas. Cuando se pasa de un primer plano a una toma general, el espectador deja de ver los detalles, por lo que es más fácil hacer un salto cronológico. Mostrar al espectador una toma media también puede proporcionar un descanso visual de la acción principal, y la oportunidad de insertar una transición a partir de la acción principal.

Acciones completas

Graba siempre acciones completas, con un principio y un final. La edición será mucho más sencilla.

Transiciones

Para lograr un ritmo cinematográfico adecuado es necesario algo de práctica. No siempre es posible rodar un evento prolongado en su totalidad, y a menudo deben ser presentados en las películas bajo formas notablemente reducidas. No obstante, la trama siempre tiene que ser lógica y los cortes casi nunca deben llamar la atención por sí mismos.

Aquí es donde vemos la importancia de una transición para pasar de una escena a la siguiente. Incluso si la acción en los escenarios colindantes está separada en el tiempo o el espacio, tus elecciones como editor pueden realizar la yuxtaposición de una forma tan suave que el espectador podrá cubrir los huecos sin prácticamente darse cuenta.

El secreto de una buena transición radica en establecer una conexión natural entre dos escenas. En una transición relacionada con el argumento, la conexión se basa en una serie de eventos sucesivos dentro de una historia por desplegar. Por ejemplo, una toma de un coche nuevo puede utilizarse para presentar un documental sobre su diseño y producción.

Una transición neutra no implica en sí misma el desarrollo de una historia o un cambio de tiempo o de lugar, sino que puede utilizarse para conectar suavemente distintos pasajes de una escena. Por ejemplo, cortar un discurso durante una conferencia con una toma de un asistente interesado permite pasar a un punto posterior de la misma conferencia sin que se note, omitiendo la parte que se encuentra entre los dos

Las transiciones externas muestran algo ajeno a la acción. Por ejemplo, durante una toma en la sacristía, durante una boda, puedes cortar con una toma del exterior de la sacristía, en la que están preparando una sorpresa para los novios.

Las transiciones deben resaltar el mensaje de la película y siempre deben respetar la situación del momento, con el fin de evitar confundir al espectador o distraerlo de la historia principal.

Secuencia lógica de la acción

Las tomas que se van hilando durante la edición, deben interactuar de forma apropiada en relación con la acción. No es posible que un espectador pueda seguir los acontecimientos a menos que la línea argumental sea lógica. Intenta capturar el interés desde el primer momento con un inicio rápido o espectacular, y trata de mantenerlo hasta el último segundo. Si las escenas se hilan de forma ilógica o cronológicamente errónea, o si las escenas son demasiado frenéticas o cortas (menos de tres segundos), los espectadores pueden perder el interés o quedar desorientados. Por ello es necesario mantener una continuidad de motivo de una escena a otra.

Rellenar huecos

No olvides dedicar tiempo y esfuerzo en rellenar los huecos de una ubicación de filmación a otra. Puedes utilizar acercamientos, por ejemplo, para rellenar saltos cronológicos, haciendo un primer plano de la cara y, a continuación, alejándote durante algunos segundos para enlazar con una escena distinta.

Mantén la continuidad

La continuidad, es decir, la consistencia de los detalles de una escena a otra, es vital para proporcionar una experiencia satisfactoria al espectador. Un día soleado no encaja con personajes que van con paraguas.

Ritmo de los cortes

El ritmo en el que una película inserta cortes de una escena a la siguiente tiene una influencia crítica en el mensaje y la atmósfera de la película. La ausencia de una toma esperada y la duración de una toma son dos formas de manipular el mensaje de la película.

Evitar disyunciones visuales

Unir tomas similares en sucesión puede provocar una disyunción visual. Por ejemplo, una persona puede aparecer en la parte izquierda de la toma e inmediatamente después en la parte derecha, o aparecer primero con gafas de sol y luego sin ellas.

No hile tomas panorámicas

No enlaces varias tomas panorámicas consecutivas a menos que tengan la misma dirección y ritmo.

Reglas básicas de la edición de vídeo

A continuación presentamos unas líneas básicas que pueden ser útiles a la hora de editar tu película. Por supuesto, no son reglas obligatorias ni infalibles, especialmente si estás haciendo un trabajo humorístico o experimental.

• No unas escenas en las que la cámara está en movimiento. Los acercamientos, alejamientos y otras tomas en movimiento deben estar siempre separados por tomas estáticas.
• Las tomas consecutivas deben tener distintas posiciones de cámara. El ángulo de la cámara debe variar al menos 45 grados.
• Los primeros planos de rostros deben filmarse alternativamente desde distintos ángulos de vista.
• Cambia la perspectiva cuando filmes edificios. Cuando tengas tomas similares del mismo tipo y tamaño, la línea diagonal debe alternar de anterior izquierda a posterior derecha y viceversa.
• Inserta cortes cuando existan personas en movimiento. De lo contrario el espectador se distraerá con el continuo movimiento y el corte pasará prácticamente desapercibido. Es muy conveniente, por ejemplo, pasar a una toma genérica desde una toma media en movimiento.
• Realiza cortes armoniosos para evitar disyunciones visuales.
• Cuanto menos movimiento haya en una toma, más corta deberá ser. Las tomas con movimientos más rápidos pueden ser más largas.
• Las tomas generales tienen más contenido por lo que deben permanecer más tiempo en pantalla.

Clasificar las secuencias de vídeo en un orden específico no sólo permite producir ciertos efectos, sino que incluso permite transmitir mensajes que las imágenes no pueden o no deben mostrar. Existen básicamente seis métodos para transmitir mensajes en los distintos cortes. Veámoslos en detalle.

Cortes asociativos

Shots are strung together in a certain order to trigger associations in the mind of the viewer, but the actual message is not shown. Example: A man bets on a horse race and, in very next scene, we see him shopping for an expensive new car at a car dealership.

Cortes paralelos

Dos acciones se muestran en paralelo. La película va saltando entre las dos acciones, acortando las escenas cada vez más hasta el final. De esta forma se crea un suspense que va aumentando hasta su punto culminante. Por ejemplo: dos coches distintos que desde distintas direcciones y a gran velocidad se acercan a la misma intersección.

Cortes de contraste

La película corta a propósito, y de forma inesperada, de una toma a otra muy distinta con el fin mostrar el contraste al espectador. Por ejemplo: un turista tomando el sol en la playa y en la siguiente toma se muestran niños famélicos.

Cortes de sustitución

Acontecimientos que no se pueden o no se quieren mostrar se sustituyen por otras acciones (el nacimiento de un niño, pero en vez del parto se muestra el capullo de una flor abriéndose).

Cortes de causa y efecto

Las tomas se relacionan en virtud de la causa y el efecto: sin la primera toma, la segunda sería incomprensible. Por ejemplo: un hombre discute con su mujer y, en la siguiente toma, el viento lo azota mientras duerme bajo un puente.

Cortes de forma

Las tomas con un contenido distinto también pueden hilarse si tienen algo en común, como por ejemplo las mismas formas, colores o movimientos. Ejemplos: una bola de cristal y la Tierra; un impermeable amarillo y unas flores amarillas; un paracaidista cayendo y la caída de una hoja.

Producción de la banda sonora

La producción de la banda sonora es un arte, pero un arte que se puede aprender. Está claro que no es fácil crear una magnífica narración, pero algunos comentarios cortos e informativos pueden servir de gran ayuda al espectador. Sea como sea, la narración debe sonar natural, expresiva y espontánea, y no debe ser pesada ni forzada.

Comentarios cortos

Una regla general aplicable a todos los comentarios es que menos es más. Las imágenes deben hablar por sí mismas, y lo evidente para el espectador no necesita comentario alguno.

Conserva el sonido original

Los comentarios hablados deben mezclarse tanto con la música como con el sonido original de forma que el sonido original siga siendo perceptible. El sonido natural forma parte de la grabación del vídeo y no debe cortarse, si es posible, porque sin sonido natural la película puede parecer estéril y falta de autenticidad. Sin embargo, a menudo el equipo de grabación registra durante la filmación ruidos de aviones o coches que no aparecen en escena. Este tipo de sonidos, o el ruido de un viento fuerte, que pueden distraer o aburrir al espectador, deben disimularse, filtrarse o sustituirse con la narración o la música más apropiada.

Selección de la música más idónea

Una música adaptada dará un aspecto final más profesional a la película y puede ayudar muchísimo a reforzar el mensaje de las imágenes. No obstante, la música seleccionada debe estar adaptada al mensaje de la película. A veces es una tarea lenta y un verdadero desafío, pero es algo que el espectador apreciará enormemente.

Título

El título debe ser informativo, describir el contenido de la película y suscitar interés. Con Title Editor no tendrás límite para tu creatividad. Como regla general, da total libertad a tu imaginación cuando diseñes el título para tu vídeo.

Usa un título corto y claro.

Los títulos deben ser cortos y en una fuente grande y legible.

Colores del título

Las siguientes combinaciones de fondos y texto son óptimas para facilitar la lectura: blanco con rojo, amarillo con negro, y blanco con verde. Ten cuidado con títulos muy blancos sobre fondos muy negros. Algunos sistemas de vídeo no son capaces de trabajar con niveles de contraste superiores a 1:40 y no pueden reproducir estos títulos con detalle.

Tiempo en pantalla

Como regla general, un título debe permanecer en pantalla el tiempo suficiente para que se pueda leer dos veces. Calcula unos tres segundos para un título con diez letras. Para cada cinco letras adicionales, añade un segundo más de permanencia en pantalla.

Títulos "prestados"

Además de los títulos generados en posproducción, también podemos tomar "prestados" títulos que encontremos a nuestro alrededor, como indicaciones de tráfico, carteles con nombres de calles o titulares de las páginas de un periódico local.